LEX CAMPUZANO ILUSTRADOR

DISEÑO GRÁFICO DE LA WED.- COMENTARIOS DE DISEÑADORES

2012-02-23T15:49:00.000-05:00

SE HABLA DE LOS PROBLEMAS Y SITUACIONES DE ALGUNOS DISEÑADORES DE LATINOAMERICA Y ESPAÑA, EN DONDE SE EXPRESAN CON OPINIONES SEGUN SUS EXPERIENCIAS.

05 - feb. - 2012

23-Feb-2012

10 cosas que aprendí del diseño, por Milton Glaser

Uno de los íconos del diseño gráfico internacional dio esta charla en el American Institut of Graphic Arts. Ahora que la escuela del punto y la línea cuenta con un séquito nada desdeñable, las lecciones de un veterano en el oficio ameritan parar la oreja.

Comparto algunas cosas que aprendí a lo largo de los años, que tienen mucho que ver con lo que hacemos los diseñadores.

1. Sólo puedes trabajar para gente que te agrada

Es una regla curiosa que me llevó mucho tiempo aprender porque, de hecho, en los inicios de mi práctica sentía lo contrario. Ser profesional requería que no te gustara particularmente la gente para la cual trabajabas, o al menos que mantuvieras una relación distante, lo que significaba no almorzar con los clientes ni tener encuentros sociales. Hace algunos años me di cuenta de que lo opuesto era verdad. Descubrí que todo el trabajo valioso y significativo que había producido provenía de relaciones afectivas con los clientes. No estoy hablando de profesionalismo; estoy hablando de afecto. Estoy hablando de compartir con el cliente algunos principios comunes. Que, de hecho, tu visión de la vida sea congruente con la del cliente. De otro modo la lucha es amarga y sin esperanzas
2. Si puedes elegir, no tengas un empleo

Una noche estaba sentado en mi auto fuera de la Universidad de Columbia, donde mi esposa Shirley estudiaba antropología. Mientras esperaba escuchaba la radio y oí a un periodista preguntar: “Ahora que llegó a los setenta y cinco, ¿tiene algún consejo para nuestra audiencia sobre cómo prepararse para la vejez?”. Una voz irritada dijo: “¿Por qué últimamente todos me preguntan sobre la vejez?”. Reconocí la voz de John Cage. Estoy seguro de que muchos saben quién fue —el compositor y filósofo que influenció a gente como Jasper Johns y Merce Cunningham y al mundo de la música en general. Apenas lo conocí, admiré su contribución a nuestro tiempo. “Sabes, no sé cómo prepararme para la vejez”, dijo. “Nunca tuve un empleo, porque si tienes un empleo, algún día alguien te lo quitará y entonces no estarás preparado para la vejez. Para mí ha sido lo mismo cada día desde los doce. Me levanto por la mañana y trato de darme una idea de cómo llevar el pan a la mesa hoy. Es lo mismo a los setenta y cinco: me levanto cada mañana y pienso cómo voy a llevar el pan a la mesa hoy. Estoy excelentemente preparado para la vejez”.

3. Alguna gente es tóxica, mejor evitarla

En los sesenta había un hombre llamado Fritz Perls que era psicólogo gestáltico. La terapia Gestalt, derivada de la historia del arte, propone que debes comprender el “todo” antes que los detalles. Lo que debes observar es la cultura entera, la familia completa, y la comunidad, etc. Perls proponía que en todas las relaciones la gente puede ser tan tóxica como enriquecedora. No es necesariamente cierto que la misma persona sea tóxica o enriquecedora en todas sus relaciones, pero la combinación de dos personas puede producir consecuencias tóxicas o enriquecedoras. Y lo importante que puedo contar es que hay un test para determinar si alguien es tóxico o enriquecedor en su relación contigo. Aquí va el test: tienes que pasar algún tiempo con la persona, así sea tomar un trago, ir a cenar o ver un juego deportivo. No importa demasiado, pero al final observa si te sientes con más o menos energía, si estás cansado o si estás fortalecido. Si estás más cansado, entonces te han envenenado. Si tienes más energía, te han enriquecido. El test es casi infalible y sugiero usarlo toda la vida.

4. El profesionalismo no basta

Cuando comencé mi carrera quería ser profesional. Ésa era mi aspiración porque los profesionales parecían saberlo todo, sin mencionar que además les pagan por eso. Más tarde, después de trabajar un tiempo, descubrí que el profesionalismo en sí mismo era una limitante. Después de todo, lo que profesionalismo significa en la mayoría de los casos es “reducción de riesgos”. Así, si quieres arreglar tu auto vas donde un mecánico que sepa cómo lidiar con el problema que tiene. Supongo que si necesitas cirugía en el cerebro no querrás tener cerca a un doctor tonto inventando una nueva forma de conectar tus terminaciones nerviosas. Por favor, hazlo de la forma que ha funcionado bien en el pasado.

Desafortunadamente, en nuestro campo, el así llamado creativo (odio esa palabra porque se suele usar mal, odio el hecho de que se la use como sustantivo, ¿te imaginas llamar a alguien creativo?), cuando haces algo en forma recurrente para reducir riesgos o lo haces de la misma forma en que lo has hecho antes, se vuelve claro por qué el profesionalismo no es suficiente. Después de todo, lo que se requiere en nuestro campo, más que cualquier otra cosa, es la trasgresión continua. El profesionalismo no da lugar a la trasgresión porque ésta incluye la posibilidad de error, y si eres profesional tu instinto te dicta no fallar, sino repetir el éxito. Entonces, el profesionalismo como aspiración de vida es una meta limitada.

5. Menos no necesariamente es más

Al ser hijo del modernismo escuché este mantra toda mi vida: “Menos es más”. Una mañana, antes de levantarme, me di cuenta de que era un sinsentido total, un asunto absurdo y bastante vacío. Pero suena importante porque contiene dentro de sí una paradoja resistente a la razón. Sin embargo, no funciona cuando pensamos en la historia visual del mundo. Si observas una alfombra persa, no puedes decir que menos es más porque te das cuenta de que cada parte de esa alfombra, cada cambio de color, cada cambio de forma es absolutamente esencial para su calidad estética. No se puede probar de ninguna manera que una alfombra lisa es superior. Lo mismo con el trabajo de Gaudí, las miniaturas persas, el art nouveau y muchas otras cosas. Tengo una máxima alternativa que creo que es más apropiada: “Suficiente es más”.

6. El estilo no es confiable

Creo que esta idea se me ocurrió por primera vez cuando miraba una maravillosa acuarela de un toro de Picasso. Era una ilustración para un cuento de Balzac llamado “La obra maestra desconocida”. Es un toro expresado en doce estilos, desde una versión muy naturalista hasta una abstracción reducida a una simple línea, con todos los pasos intermedios. Lo que surge con claridad al observar este impreso es que el estilo es irrelevante. En cada uno de esos casos, desde la abstracción extrema hasta el naturalismo fiel, todos son extraordinarios más allá del estilo. Es absurdo ser leal a un estilo. No merece tu lealtad. Debo decir que para los viejos profesionales del diseño es un problema, porque el campo está manejado más que nunca por intereses económicos. El cambio de estilo suele estar ligado a factores económicos, como todos los que leyeron a Marx saben. También se produce cansancio cuando la gente ve demasiado de lo mismo todo el tiempo. Entonces, cada diez años más o menos se produce un cambio estilístico y las cosas se vuelven diferentes. Las tipografías van y vienen y el sistema visual cambia un poco. Si llevas años de trabajo como diseñador, tienes el problema esencial de qué hacer. Quiero decir, después de todo, has desarrollado un vocabulario, una forma que te es propia. Es uno de los modos de distinguirte de tus pares y establecer tu identidad en el campo del diseño. Mantener tus creencias y preferencias se vuelve un acto de equilibrio. La duda entre perseguir el cambio o mantener tu propia forma distintiva se vuelve complicado. Todos hemos conocido casos de ilustres personajes cuyo trabajo repentinamente pasó de moda o, más precisamente, se quedó en el tiempo. Y allí hay historias tristes como la de Cassandre, indiscutidamente el más grande diseñador gráfico de principios del siglo XX, que no pudo ganarse la vida en sus últimos años y se suicidó.

7. En la medida en que vives, tu cerebro cambia

El cerebro es el órgano más activo del cuerpo. De hecho, es el órgano más susceptible de cambiar y regenerarse. Tengo un amigo llamado Gerard Edelman que es un gran erudito en estudios del cerebro y para quien la analogía del cerebro con la computadora es desafortunada. El cerebro es más como un jardín silvestre que constantemente está creciendo y esparciendo semillas, regenerándose, etc. Y él cree que el cerebro es maleable —en una forma de la cual no somos totalmente conscientes— a toda experiencia y a todo encuentro que tengamos en nuestra vida.

Me fascinó una historia en un periódico hace pocos años acerca de la búsqueda del oído absoluto. Un grupo de científicos decidió que descubriría por qué alguna gente tiene oído absoluto. Son los que pueden escuchar una nota con precisión y replicarla exactamente en el tono correcto. Alguna gente tiene un oído muy fino, pero el oído absoluto es raro incluso entre los músicos. Los científicos descubrieron —no sé cómo— que en la gente con oído absoluto el cerebro era diferente. Ciertos lóbulos del cerebro habían experimentado algún cambio o deformación recurrente entre quienes tenían oído absoluto. Esto fue suficientemente interesante en sí mismo, pero entonces descubrieron algo aún más fascinante: si tomas un grupo de niños de cuatro o cinco años de edad y les enseñas a tocar el violín, luego de unos años algunos de ellos habrán desarrollado el oído absoluto, y en todos esos casos su estructura cerebral habrá cambiado. Bien… ¿qué podría significar eso para el resto de nosotros? Tendemos a creer que la mente afecta al cuerpo y que el cuerpo afecta a la mente, pero generalmente no creemos que todo lo que hacemos afecte el cerebro. Estoy convencido de que si alguien me gritara desde el otro lado de la calle, mi cerebro podría ser afectado y mi vida podría cambiar. Es por eso que mi madre siempre decía: “No te juntes con esos chicos malos”. Mamá tenía razón. El pensamiento cambia nuestra vida y nuestro comportamiento.

También creo que el dibujo funciona de la misma manera. Soy un gran defensor del dibujo, no por haberme convertido en ilustrador, sino porque creo que el dibujo cambia el cerebro, de la misma forma en que encontrar la nota correcta cambia la vida de un violinista. El dibujo te vuelve atento, te hace prestar atención a lo que ves, lo cual no es tan fácil.

8. La duda es mejor que la certeza

Todo el mundo habla siempre de tener confianza, de creer en lo que haces. Recuerdo que una vez en clase de yoga el profesor dijo que, espiritualmente hablando, si tú crees que has alcanzado la iluminación, apenas has alcanzado tus límites. Pienso que es verdad en un sentido práctico. Las creencias profundamente arraigadas de cualquier tipo evitan que te abras a experimentar, y es por eso que encuentro cuestionable toda posición ideológica sostenida con firmeza. Me pone nervioso que alguien crea demasiado en algo. Ser escéptico y cuestionar toda convicción arraigada es esencial. Por supuesto, hay que tener clara la diferencia entre escepticismo y cinismo, porque el cinismo es tan restrictivo de la propia apertura al mundo como las convicciones apasionadas: son como gemelos. En definitiva, resolver cualquier problema es más importante que tener razón. Existe una sensación de autosuficiencia tanto en el mundo del arte como en el del diseño. Tal vez comienza en la escuela. Las escuelas de arte a menudo privilegian un modelo de personalidad como el de la filósofa Ayn Rand, quien siempre se resistía a las ideas de cultura que la rodeaban. La teoría de las vanguardias es que como individuo tú puedes transformar el mundo, lo cual es verdad hasta cierto punto. Uno de los signos del ego dañado es la certeza absoluta.

Las escuelas alientan la idea de no comprometerse y defender tu trabajo a toda costa. Bien, el asunto es que todo trabajo tiene que ver más que nada con la naturaleza del compromiso. Sólo tienes que saber con qué comprometerte. La búsqueda ciega de tus propios fines a costa de excluir la posibilidad de que otros puedan tener razón, no tiene en cuenta el hecho de que en diseño siempre lidiamos con una tríada: el cliente, la audiencia y tú mismo. Lo ideal sería que mediante alguna clase de negociación todas las partes ganaran, pero la autosuficiencia suele ser el enemigo. El narcisismo generalmente proviene de alguna clase de trauma de la infancia que no debe profundizarse. Se trata de un aspecto muy difícil en las relaciones humanas. Hace algunos años leí una cosa muy notable sobre el amor, que también aplica a la naturaleza de la relación con los otros. Era una cita de Iris Murdoch en su obituario. Decía: “El amor es el hecho extremadamente difícil de darse cuenta de que el otro, que no es uno, es real”. ¡¿No es fantástico?! La mejor conclusión sobre el tema del amor que se pueda imaginar.

9. Sobre la edad

El año pasado alguien me regalo para mi cumpleaños un libro encantador de Roger Rosenblatt, llamado Ageing Gracefully [Envejeciendo con gracia]. No me di cuenta del título en el momento, pero contiene una serie de reglas para envejecer con gracia. La primera regla es la mejor: “No importa. No importa lo que pienses. Sigue esta regla y agregarás décadas a tu vida. No importa si es tarde o temprano, si estás aquí o allá, si lo dijiste o no, si eres inteligente o estúpido. Si saliste despeinado o calvo o si tu jefe te mira rayado o tu novio o novia te mira rayado, si tú estás rayado. Si consigues o no que te den ese ascenso o premio o casa: no importa”. Gran sabiduría. Entonces escuché un maravilloso cuento que parecía relacionado con la regla número diez: Un carnicero estaba abriendo su negocio una mañana y mientras lo hacía un conejo asomó su cabeza a través de la puerta. El carnicero se sorprendió cuando el conejo preguntó: “¿Tiene repollo?”. El carnicero dijo: “Ésta es una carnicería, vendemos carne, no verduras”. El conejo se fue saltando. Al día siguiente el carnicero estaba abriendo su negocio y el conejo asomó su cabeza y preguntó: “¿Tiene repollo?”. El carnicero ahora enojado le respondió: “Escúchame pequeño roedor, te dije ayer que vendemos carne, no verduras, y la próxima vez que vengas por aquí te voy a agarrar del cogote y clavaré esas orejas flojas al suelo”. El conejo desapareció precipitadamente y nada sucedió durante una semana. Entonces una mañana el conejo asomó su cabeza desde la esquina y preguntó: “¿Tiene clavos?”. El carnicero dijo: “No”. Entonces el conejo dijo: “¿Tiene repollo?”.

10. Decir la verdad

El cuento del conejo es importante porque se me ocurrió que buscar repollo en una carnicería sería como buscar ética en el campo del diseño. No parece ser el lugar más adecuado para encontrarla. Es interesante observar que en el nuevo código de ética del American Institute of Graphic Arts aparece una cantidad importante de información sobre conductas para con los clientes y para con otros diseñadores, pero ni una palabra acerca de la relación del diseñador con el público. Lo que se espera del carnicero es que venda carne que se pueda comer y no mercadería engañosa. Recuerdo haber leído que, durante los años de Stalin en Rusia, todo lo que llevaba la etiqueta de “ternera” en realidad era pollo. No me quiero imaginar qué sería lo que llevaba la etiqueta “pollo”. Podemos aceptar algún nivel mínimo de engaño, como que nos mientan acerca del índice graso de las hamburguesas, pero cuando el carnicero nos vende carne podrida, nos vamos a otra parte. Como diseñadores, ¿tenemos menos responsabilidad con nuestro público que un carnicero? Quien esté interesado en matricular a los diseñadores gráficos, debería notar que la razón de ser de una matrícula es proteger al público, no a los diseñadores ni a los clientes. “No hacer daño” es una advertencia a los doctores que tiene que ver con la relación con sus pacientes, no con sus colegas o con los laboratorios. Si fuéramos matriculados, decir la verdad se convertiría en algo más importante en nuestra actividad

ERIKA VALENZUELA – ESPAÑA

06 - Febrero - 2012
Una crítica en el diseño

El oficio recae en problemas por el escaso interés teórico en relación con la praxis del diseño y por una ausencia de argumentación crítica que sustente y revalore la profesión.

¿Hemos definido diseño? Quizá ponernos de acuerdo sea el primer paso para generar una crítica. Se lo considera como una disciplina, como una actividad, como un fenómeno, como un sistema o como un simple objeto para responder a la solución de una problemática. En realidad no se ha unificado la interpretación por ser un término polisémico, pero muchos autores coinciden en que es un proceso creativo (sea como técnica, actividad o como sistema) que debe tener resultados productivos para los individuos y la sociedad en general; para responder a la necesidad de una compleja dinámica social donde se produce objetos, productos e imágenes.

Como lo indica John Heskett, el diseño es una de las características básicas de lo humano y un determinante esencial de la calidad de vida. Es una respuesta del hombre para mejorar su entorno y facilitar sus actividades, por lo cual, el diseño es entendido por muchos como «el bastión más significativo del capitalismo y del maquinismo». Su auge se dio por un cambio social que los países industrializados sufrieron a finales del siglo XIX y principios del XX. A partir de estos procesos originados por la Revolución Industrial, la relación e integración entre arte, industria y tecnología cambia profundamente. Las funciones tradicionales del artista y el artesano se transformaron por la aparición de maquinarias y nuevos materiales. Como observamos, la práctica de este oficio antecedió a la teoría, puesto que dio paso a la experiencia, que generó nuevas sistematizaciones para la producción y diseño de productos.

Ahora bien, las primeras escuelas de diseño centradas en Alemania como la Bauhaus (1919-1933), tenían el objetivo de ser una coalición que lograra interactuar con estudiantes, profesores, administradores y la comunidad en general, para crear una renovación de la teoría del diseño. Particularmente, la Bauhaus pensaba que se podría revigorizar la comunidad de los diseñadores gráficos al alentar el pensamiento crítico sobre los medios y fines del campo gráfico. Lo importante era liberar las aptitudes creativas de cada estudiante, desarrollar una comprensión de la naturaleza física de los materiales y enseñar los principios fundamentales del diseño. Se buscaba desarrollar la conciencia perceptiva, la capacidad intelectual y la experiencia emocional de los estudiantes, para crear una metodología que los familiarizara con técnicas, conceptos y relaciones formales fundamentales para toda expresión visual. Es decir, en este punto la enseñanza fue técnico-práctica: la teoría mostrada era un discurso fundamentado en la praxis; se integraban conceptos a la práctica para construir el oficio.

Así entonces, según César Coll (1999), el desarrollo del aprendizaje del diseño se formó con un pensamiento constructivista en donde se iba cimentando el propio conocimiento, para generar un marco explicativo, articulado y coherente dentro de una «zona de aprendizaje próximo», para dar solución a problemas. Esto significa que la teoría y la práctica se encontraban en un espacio común a través de los conocimientos de un profesor y un artesano.

Sin embargo, pese a lo anteriormente descrito, el impulso al enfoque crítico de la actividad no ha sido suficiente, y ante esto tenemos que entender que un pensamiento crítico es «la habilidad de analizar hechos, generar y organizar ideas; defender opiniones, hacer comparaciones, hacer inferencias, evaluar argumentos y resolver problemas». Es decir, conforme a esta interpretación, una crítica implicaría una evolución en el diseño y una nueva generación de teorías. En la actualidad no se ha generado ese pensamiento que supone debe ser «auto-dirigido», «auto-disciplinado», «auto-regulado» y «auto-corregido» para lograr un diálogo efectivo y apoyado, en este caso, para la revaloración de la actividad.

Como comenta el profesor Norberto Chaves, gran parte de los problemas de la enseñanza del diseño (especialmente gráfico) en los países de Latinoamérica provienen de una concepción distorsionada del oficio en la que predominan dos prejuicios: teoricismo y creativismo, originados en una grave disociación entre enseñanza y práctica del campo. Personalmente diría que la polémica gira en torno a la inclinación de nuestros productos ya sean discursivos o visuales, y todo este argumento es lo que ha originado confusiones de enseñanza que suponen una débil formación crítica en nosotros.

Hoy se continúa con una enseñanza teórico-práctica, pues principalmente las escuelas buscan que el diseñador se familiarice con los aspectos que conducen a mejorar el diseño para producir objetos estéticos y funcionales. Frente a esta perspectiva la enseñanza se vuelve formativa en un sentido empírico, la preparación del diseñador debería aproximarse a esa inmersión del mercado laboral para generar autonomía y competencia en su profesión, pero no sucede. Es así que no se desarrollan argumentos analíticos hacia los métodos de la práctica del diseño, ese «teoricismo» del que veníamos hablando no forma una reflexión de la propia actividad creativa, simplemente EXPLICA LA PRÁCTICA Y NO LA CUESTIONA. Esa distorsión de la enseñanza parte entonces de una visión práctica-formativa no dirigida en un principio hacia la argumentación.

Por esto es innegable que el diseño no es conocido por ser un área donde se produce nuevo conocimiento, pero podemos contrastar ese «concepto» afirmando que sí produce teorías, nuevas técnicas, nuevos métodos, nuevas aportaciones; solo que nosotros los diseñadores no hemos establecido un «marco de investigación» sustentable; es decir, no nos involucramos activamente en un análisis «defendible» de nuestra profesión.

Mostrando una paradoja, si la práctica del diseño no contempla a la teoría o la teoría no contempla a la práctica del diseño hemos tenido un punto ciego, como lo afirma Gui Bonsiepe; un punto ciego entre la discursividad y la visualidad causada por nuestro notable desinterés. Cabe mencionar que ese desinterés se da porque el oficio te envuelve en otra dinámica, en la cual vas integrando la práctica aprendida en la escuela con un nuevo tipo de aprendizaje personal y muchas veces no compartido.

Frente a esto, ¿qué podemos decir de nuestra «formación crítica»? Esta solo la desarrollamos como una simple descripción del producto o como una «justificación» pero no como una crítica real y encausada hacia la mejora del oficio. Ahora es cuando podemos preguntar: ¿conviene tener una crítica del diseño? Pienso que sí, y sería conveniente por dos aspectos: uno para que la actividad tenga una revaloración como práctica cognitiva y otro como una renovación de la propia teoría. Entonces en lo que nos deberíamos enfocar para comenzar una crítica es en la propia interpretación de diseño y desenredar la polémica del punto ciego entre teoría y práctica, para empezar a comprender y valorar nuestra propia actividad.

20 - 01 - 2012 7 ideas básicas para el ejercicio del Diseño Gráfico

Ser diseñador gráfico no es hacer dibujitos ni tener un ordenador con el Photoshop instalado (aunque algunos lo piensen), pero tampoco es simplemente haber estudiado unos años para tener un título que nos acredite como tal..

Se pueden señalar una serie de ideas para el ejercicio del diseño gráfico que pueden ayudarnos a ser mejores profesionales además de definir un poco más esta profesión:

1. El diseño gráfico no es arte, ni los diseñadores gráficos artistas (al menos mientras ejercemos como diseñadores) y por tanto nuestro trabajo no será visto como una obra, sino como una manera de comunicar algo a alguien, y de nuestra reflexión, estudio y resolución dependerá que esa comunicación sea efectiva o no.

2. La computadora es solo una herramienta más y aunque nos facilita sobremanera el trabajo a los diseñadores gráficos, no deja de ser eso, una herramienta más, al igual que lo es el cutter, el lápiz, la impresora, el 3M, etc. Si confiamos en que la computadora o un software en concreto nos solucionará todos los problemas que surjan en un proyecto, el problema será mayúsculo y la creatividad escasa.

3. Las tendencias son un arma de doble filo, pueden servirnos de inspiración, pero basar un diseño única y exclusivamente en una tendencia pasajera hace de nuestro trabajo algo rapidamente perecedero.

4. Se crítico con tu propio trabajo, no te quedes con la primera idea, busca, analiza y encuentra la mejor solución para cada proyecto.

5. El diseño no es bonito o feo, funciona o no funciona. Basar un diseño solo desde el punto de vista estético es caminar hacia el fracaso. El diseño gráfico debe identificar, informar y promocionar, analiza tu diseño y comprueba si cumple las necesidades y objetivos que después en la calle le serán reclamados.

6. Un diseñador gráfico no estudia y después trabaja, todo el que pretenda trabajar de manera eficaz debe seguir formándose día a día durante toda su vida laboral, de lo contrario en poco tiempo quedará desfasado.

7. El cliente no siempre tiene la razón y el no dársela cuando no la tiene hará que tus trabajos ganen en coherencia y el resultado final para el cliente sea mucho más efectivo. Incluso es mejor renunciar a un trabajo que realizarlo bajo unas premisas erróneas y predestinadas al fracaso, piensa que ese trabajo al fin y al cabo siempre será relacionado contigo y puede hacerte perder credibilidad ante otros posibles clientes.

Martín G. Diseñador Gráfico - Argentina

LUIS TORRES – DISEÑADORES PROFESIONALES – MADRID - ESPAÑA 12 - ENE. - 2012

Sobre el futuro del diseño lo veo promisorio considerando

que este oficio desde todos los tiempos es el que se encarga de hacer la traducción de la tecnología a lo cotidiano no es algo que debiera preocuparnos Tanto es así desde que yo me titule por los 80 he visto incrementarse las diversificaciones del diseño.
Los adjetivos para el oficio crecen y crecen generándose nuevas especialidades abriendo el abanico de opciones.
Diseñador ,industria, de ambientes, de interiores , textil, de muebles, de luminotecnia, barcos, de autos ,de escenografías, ....por solo nombrar algunos

Las tendencia del diseño creo que van ligada esencialmente a potenciar las experiencia sensoriales abordando más allá del tacto ,la visión, el oído existe una clara tendencia A potenciar de la misma manera todos los sentidos y trabajar en mayor medida el contexto donde se inserta el objeto.

El minimalìsmo, el tecno diseño, eco diseño toman variables subjetivas y perceptivas que incorporan. Hoy no basta que un objeto sea ergonómicamente bien logrado que posea un estética, sea vanguardista o vintage. Debe ser "ecológico", reciclable, amigable con su entorno que serian su atributos de futuro pero existe una tendencia incluso que exige parte de su pasado....de donde se generan sus materia primas quienes los fabrican......es decir la variable antropomórfica en toda su acepciòn, el que se esté teniendo en cuenta eso nos lleva a pensar que los objetos de diseños no solo tienen historia futura ( una vez que se fabrican )hoy tiene un pasado.....Un como fueron concebidos

Otra variable en mi opinión es que en los 90 algunas corrientes de diseño y lo desarrollos tecnológicos apuntaban a desvincular el cuerpo de la manipulación de los objetos así como la percepciòn que de ellos se tenía.
Los relojes digitales, las pantallas touch, el minimalismos corrientes que de cierta forma se ponían en una cierta inmaterialidad nos planteaban una cierta ausencia del objeto o de su función mientras su forma menos dijese de su uso" mejor",
Hoy el diseño "experiencia" nos retrotrae a lo primario, a involucrarnos con los objetos y su entorno, el cuerpo comienza nuevamente a ser considerado , se potencia el gesto y su forma de uso y sobre ello se involucra a todos los sentidos se esta valorando cada vez más lo subjetivo y particular que a cada usuario le entrega el objeto.
Un ejemplo de ello son las tapas de los computadores ... las correas de los relojes las cafeteras.........se busca dar un atributo cada vez mas personalizado, que el usuario final le de su individualizaciòn e identificación......esto referido al diseño orientado a la producción.

Saludos

OPINION DE RENSO CORREDOR – COLOMBIA – DISEÑADORES GRAFICOS EDITORIALES
Esto se puso bueno como decimos en Colombia, Respecto al debate me gustaría comentar que en este medio existen dos especies de seres:
1. Los Duros o personas verdaderamente profesionales que no hablan por hablar y hacen muy bien su trabajo con o sin titulo, pero producto de noches y días enteros de dedicación, no solo manejan un programa, lo conocen y ademas tienen lo que vale oro en este medio: un buen oído para escuchar los clientes, mucha imaginación y un concepto claro.

2. Por otro lado están los mediocres, aquellos que con o sin titulo, buscan trabajar en esto, creyendo que es fácil y que con manejar un programa o con tener un papel llamado Diploma pueden ser buenos en esto, pero falso son una subespecie de parásitos que solo esperan creer que lo saben y no saben nada, contratados por empresas igualmente mediocres que la verdad es mejor no tener en cuenta dentro de nuestras posibilidades laborales, por que solo piensan en sus beneficios económicos e irrespetan el mercado con rebajas sensacionalistas y poco conocer del mercado.

un abrazo.

OPINION SALVADOR PARRA - ESPAÑA - DISEÑADORES GRÁFICOS

Consideras que tienes los suficientes conocimientos? Consideras que eres bueno diseñando? Te consideras artista? Cuantos artistas conoces que tienen titulo de artista? A veces estas cosas se llevan dentro... Hazte un buen portafolio, crea, crea y no dejes de crear y presenta tus diseños, tus ideas, haz locuras, al final el resultado es lo que vale, pero mi consejo es que nunca dejes de aprender, y fórmate, en una academia, en una escuela, por tu cuenta o simplemente empezando desde abajo en cualquier trabajo de diseño, imprenta o editorial... trabajando se aprende a veces mucho más que estudiando... yo no estudié diseño, pero siempre me gustó el dibujo, el arte y los ordenadores, desde bien pequeño, pero me he preocupado por cultivarme y por trabajar, y como he aprendido es trabajando, cuando entré en la imprenta sabía diseñar, pero no tenía ni idea de preimpresión pero aprendí, a veces si no trabajas en estas cosas es dificil obtener una buena formación y los problemas reales del día a día en el trabajo son los que te enseñan... y ya llevo más de 10 años en esto...

Los 10 ERRORES más grandes de los Freelance y COMO EVITARLOS

No existe el freelance perfecto, así como tampoco existe el empresario perfecto ni el empleado perfecto. Pero hay errores que muchos veces cometemos, y nos acarrean problemas a nosotros y al cliente.

Algunos errores son más dramáticos que otros, pero podemos pensar en todos. El considerarlos nos va a ayudar a evitarlos y a trabajar más cómodos, esto equivale a que nuestra calidad de trabajo también mejore.

Esta es una traducción totalmente libre de un artículo publicado en el blog de Freelance Swicht, sin embargo he agregado notas y comentarios personales que aportan más información. Por eso la extensión de artículo. Pero vale la pena llegar al final.

Aquí las fallas que cometemos o que hemos cometido. A sincerarnos:

1) Fallas en los plazos de entrega:

Como freelance, tu reputación es todo, y si esta es mala, tu futuro en el mundo profesional es muy oscuro. Si fallamos mucho en los plazos de entrega prometidos tus clientes sencillamente se van a ir a otra parte. Nos tacharán de irresponsables y una vez que nos rotulan así es muy difícil salir.

Solución:

Llevar una agenda detallada con plazos de entregas, no tomar más trabajo del que podemos cumplir, ser sinceros con nuestro cliente, si nos demoraremos en la entrega poner en aviso al cliente. En resumen organizarte y dar prioridad a las fechas.

2) Demasiado caro, demasiado barato:

El tema del precio de tus trabajos es determinante. Por ejemplo los nuevos freelances se infravaloran y cobran demasiado barato. Esto hace que un potencial cliente dude de la calidad del trabajo. Por otro lado tenemos a los viejos freelances (o no tanto) que se supervaloran, llegando a cobrar "cualquier cosa".

Solución:

Buscar el equilibrio. Una buena forma de hacerlo es fijarte un sueldo por mes aproximado y sacar el costo real de tu hora de trabajo, y multiplicar por la cantidad de horas que estimás para un sitio web.

Cobrar poco está bien cuando empezas, pero no es bueno regalarse siempre, tampoco es bueno cobrar exageradamente, porque nos somos los únicos, la globalización e internet permite que el cliente busque precios y se informe.

3) Poca o nula investigación del cliente-proyecto:

Este es un error típico y hablo por experiencia propia. Muchas veces cotizamos y aceptamos trabajos de los que después nos arrepentimos. El estudiar un proyecto o trabajo superficialmente puede ocasionarnos grandes dolores de cabeza.

Solución:

Investigar al cliente; internet es una herramienta valiosa en ese aspecto. Preguntarnos; ¿qué quiere? ¿por qué me eligió a mi? ¿de donde vino? ¿trabajó con otro freelance antes?.

Examinar el proyecto; pedir la documentación detallada de los proyectos grandes, para los proyectos chicos con una conversación se puede tener una idea bien realista de lo que necesita el cliente.

4) Elegir a los clientes incorrectos:

La relación freelance-cliente es muy importante, si bien no existe tampoco el cliente ideal, podemos evitarnos problemas si nos planteamos cuestiones como; que estilo de trabajo busca, como es su sistema de pagos, que cantidad de trabajo requieren etc. El estar cómodo con el cliente es todo, te lo aseguro. Si no te sentís o sentís que estás haciendo algo que no te gusta, sencillamente la calidad de tu trabajo se irá por el piso, y lo que es peor; no vas a disfrutar de tu trabajo, solo broncas y amarguras.

Solución:

Nuevamene la investigación, luego una charla amena, que sea como una entrevista de dos canales. Para decidir si uno le sirve a ellos y ellos a uno. Luego hacer un trabajo de prueba para ver como fluyen las cosas.

5) Ser demasiado Formal o informal en el trato:

Es muy bueno ser amistoso y cordial con nuestro cliente. Casi ninguna persona se siente cómodo con un profesional que se muestra angustiado o molesto. Por eso el mostrarnos alegres y positivos hablará bien de nosotros.

Sin embargo vale acotar que no debemos caer en el extremo o exageración de confianza. Ser demasiado entusiaste también irrita, por eso es muy importante busca el equilibrio. Ni demasiado formal ni demasiado informal.

Otro elemento importante es no fijar los límites comerciales con nuestro cliente. Recordemos que él no vino a buscar una amistad, vino a hacer un negocio o encargar un trabajo.

Solución:

En el trato tanto escrito como hablado, podemos empezar de manera formal, luego a medida que avanza el diálogo podemos adotar un tono más amistoso.

6) Mostrar nuestro enojo:

No van a faltar situaciones en tu trabajo como freelance que te harán rabiar. Sin embargo nunca debemos mostrar nuestro enojo frente a un cliente. Si mostramos frustración o descontento podemos causar una muy mala impresión opacando nuestro trabajo y perjudicándonos ahora y en el futuro. Por más razón que tengamos debemos mordernos la lengua.

Solución:

Si hay un problema con el cliente, lo mejor es no hablar en el momento de irritación, por más razón que tengas lo mejor que podés hacer es esperar, podés hablar con un amigo, hacer ejercicio, etc. Luego cuando te hayas "enfriado" podrás hablar de una manera "no emocional" o mejor dicho de una manera "profesional".

Que pasa si el cliente nos hace pasar cuadros de enojo constantes? Lo mejor es hablar bien claro y plantear tu descontento. Si la situación no cambia, simplemente le explicás diplomáticamente que no trabajarás más para él por "diferencias de criterios". Así de simple.

7) No dejar ideas abiertas

Normalmente la prisa con la que a veces trabajamos no nos hace pensar en el futuro. Normalmente cuando terminamos con un cliente, pasamos automáticamente a otro, sin dejar un contacto o una idea abierta para que este cliente vuelva. Si no lo hacemos así nos encontraremos siempre trabajando para clientes nuevos. Y ya sabés lo que cuesta conocer a un cliente, aprender las mañas, gustos, estilos, etc.

Solución:

Dejar una idea o conceptos abiertos. Sugerirle al cliente nuevas ideas que lo ayuden realmente y que puede hacerlo volver a contratar nuestros servicios.

8) No contar con varios clientes.

Es muy común que como freelances le demos mucha importancia a los clientes "grandes" o a los que mejor pagan. Pero es muy importante considerar que si tenés pocos clientes o si tu negocio se basa exclusivamente de uno o dos clientes, corrés el riesgo de caerte en sentido económico. ¿Qué pasa si el cliente cambia de proveedor? ¿Que pasa si se retira del negocio?

Solución:

Dar atención a todos los tipos de clientes, ampliar tus servicios, no encasillarte con pocos clientes.

9) Demasiado días de vagancia:

Hagámonos cargo, a veces no podemos ni queremos trabajar. Por eso uno puede tomarse ratos o días para descansar o hacer otra cosa. Pero si caemos en dedicarnos a extender estos períodos de "recuperación" empezarán a fallar nuestras ganancias.

Solución:

Es muy bueno ser flexible porque uno rinde más en el tiempo en que se siente productivo, pero si tenés plazos que cumplir es muy bueno no "apagarte", seguir remando con la idea de que pronto descansarás. Traza los trabajos pendientes y observa las tareas que ya cumpliste, te va a motivar.

10) No identificarte con el trabajo:

A veces tomamos ciertos trabajos porque nos interesa el dinero, pero no alinea con quienes somos realmente o no es nuestro estilo. En fin no nos sentimos cómodos con el trabajo que nos han encargado. Y comenzamos lentamente a odiarnos y a odiar el trabajo hasta que no podemos seguir.

Solución:

Intentar, desde un principio, encontrar el trabajo que alinea con tus valores, que te permita que ser quien sos. Debes ser sincero en la elección de cada trabajo y nunca temer a decir "NO".

Debes esforzarte siempre encontrar el trabajo que amas.
Visto en freelanceswitch

DISCURSO DE STEVE JOBS PARA RECORDAR, LEELO POR FAVOR

Discurso de Steve Jobs en la Universidad de Stanford 2005

Gracias.

Tengo el honor de estar hoy aquí con vosotros en vuestro comienzo en una de las mejores universidades del mundo. La verdad sea dicha, yo nunca me gradué.

A decir verdad, esto es lo más cerca que jamás he estado de una graduación universitaria.

Hoy os quiero contar tres historias de mi vida. Nada especial. Sólo tres historias.

La primera historia versa sobre "conectar los puntos".

Dejé la Universidad de Reed tras los seis primeros meses, pero después seguí vagando por allí otros 18 meses, más o menos, antes de dejarlo del todo. Entonces, ¿por qué lo dejé?

Comenzó antes de que yo naciera.

Mi madre biológica era una estudiante joven y soltera, y decidió darme en adopción. Ella tenía muy claro que quienes me adoptaran tendrían que ser titulados universitarios, de modo que todo se preparó para que fuese adoptado al nacer por un abogado y su mujer.

Solo que cuando yo nací decidieron en el último momento que lo que de verdad querían era una niña.

Así que mis padres, que estaban en lista de espera, recibieron una llamada a medianoche preguntando:

“Tenemos un niño no esperado; ¿lo queréis?”

“Por supuesto”, dijeron ellos.

Mi madre biológica se enteró de que mi madre no tenía titulación universitaria, y que mi padre ni siquiera había terminado el bachillerato, así que se negó a firmar los documentos de adopción. Sólo cedió, meses más tarde, cuando mis padres prometieron que algún día yo iría a la universidad.

Y 17 años más tarde fui a la universidad. Pero de forma descuidada elegí una universidad que era casi tan cara como Stanford, y todos los ahorros de mis padres, de clase trabajadora, los estaba gastando en mi matrícula.

Después de seis meses, no le veía propósito alguno. No tenía idea de qué quería hacer con mi vida, y menos aún de cómo la universidad me iba a ayudar a averiguarlo.

Y me estaba gastando todos los ahorros que mis padres habían conseguido a lo largo de su vida. Así que decidí dejarlo, y confiar en que las cosas saldrían bien.

En su momento me dio miedo, pero en retrospectiva fue una de las mejores decisiones que nunca haya tomado.

En el momento en que lo dejé, ya no fui más a las clases obligatorias que no me interesaban y comencé a meterme en las que parecían interesantes. No era idílico. No tenía dormitorio, así que dormía en el suelo de las habitaciones de mis amigos, devolvía botellas de Coca Cola por los 5 céntimos del envase para conseguir dinero para comer, y caminaba más de 10 Km los domingos por la noche para comer bien una vez por semana en el templo de los Hare Krishna.

Me encantaba.

Y muchas cosas con las que me fui topando al seguir mi curiosidad e intuición resultaron no tener precio más adelante.

Os daré un ejemplo.

En aquella época la Universidad de Reed ofrecía la que quizá fuese la mejor formación en caligrafía del país. En todas partes del campus, todos los póster, todas las etiquetas de todos los cajones, estaban bellamente caligrafiadas a mano.

Como ya no estaba matriculado y no tenía clases obligatorias, decidí atender al curso de caligrafía para aprender cómo se hacía.

Aprendí cosas sobre el serif y tipografías sans serif, sobre los espacios variables entre letras, sobre qué hace realmente grande a una gran tipografía.

Era sutilmente bello, histórica y artísticamente, de una forma que la ciencia no puede capturar, y lo encontré fascinante. Nada de esto tenía ni la más mínima esperanza de aplicación práctica en mi vida. Pero diez años más tarde, cuando estábamos diseñando el primer ordenador Macintosh, todo eso volvió a mí.

Y diseñamos el Mac con eso en su esencia. Fue el primer ordenador con tipografías bellas. Si nunca me hubiera dejado caer por aquél curso concreto en la universidad, el Mac jamás habría tenido múltiples tipografías, ni caracteres con espaciado proporcional. Y como Windows no hizo más que copiar el Mac, es probable que ningún ordenador personal los tuviera ahora. Si nunca hubiera decidido dejarlo, no habría entrado en esa clase de caligrafía y los ordenadores personales no tendrían la maravillosa tipografía que poseen.

Por supuesto, era imposible conectar los puntos mirando hacia el futuro cuando estaba en clase, pero fue muy, muy claro al mirar atrás diez años más tarde.

Lo diré otra vez: no puedes conectar los puntos hacia adelante, sólo puedes hacerlo hacia atrás. Así que tenéis que confiar en que los puntos se conectarán alguna vez en el futuro. Tienes que confiar en algo, tu instinto, el destino, la vida, el karma, lo que sea.

Esta forma de actuar nunca me ha dejado tirado, y ha marcado la diferencia en mi vida.

Mi segunda historia es sobre el amor y la pérdida.

Tuve suerte — supe pronto en mi vida qué era lo que más deseaba hacer. Woz y yo creamos Apple en la cochera de mis padres cuando tenía 20 años. Trabajamos mucho, y en diez años Apple creció de ser sólo nosotros dos a ser una compañía valorada en 2 mil millones de dólares y 4.000 empleados.

Hacía justo un año que habíamos lanzado nuestra mejor creación — el Macintosh — un año antes, y hacía poco que había cumplido los 30.

Y me despidieron.

¿Cómo te pueden echar de la empresa que tú has creado?

Bueno, mientras Apple crecía contratamos a alguien que yo creía muy capacitado para llevar la compañía junto a mí, y durante el primer año, más o menos, las cosas fueron bien. Pero luego nuestra perspectiva del futuro comenzó a ser distinta y finalmente nos apartamos completamente. Cuando eso pasó, nuestra Junta Directiva se puso de su parte.

Así que a los 30 estaba fuera. Y de forma muy notoria.

Lo que había sido el centro de toda mi vida adulta se había ido y fue devastador.

Realmente no supe qué hacer durante algunos meses. Sentía que había dado de lado a la anterior generación de emprendedores, que había soltado el testigo en el momento en que me lo pasaban. Me reuní con David Packard [de HP] y Bob Noyce [Intel], e intenté disculparme por haberlo fastidiado tanto. Fue un fracaso muy notorio, e incluso pensé en huir del valle [Silicon Valley].

Pero algo comenzó a abrirse paso en mí — aún amaba lo que hacía. El resultado de los acontecimientos en Apple no había cambiado eso ni un ápice. Había sido rechazado, pero aún estaba enamorado. Así que decidí comenzar de nuevo.

No lo vi así entonces, pero resultó ser que el que me echaran de Apple fue lo mejor que jamás me pudo haber pasado.

Había cambiado el peso del éxito por la ligereza de ser de nuevo un principiante, menos seguro de las cosas. Me liberó para entrar en uno de los periodos más creativos de mi vida. Durante los siguientes cinco años, creé una empresa llamada NeXT, otra llamada Pixar, y me enamoré de una mujer asombrosa que se convertiría después en mi esposa.

Pixar llegó a crear el primer largometraje animado por ordenador, Toy Story, y es ahora el estudio de animación más exitoso del mundo. En un notable giro de los acontecimientos, Apple compró NeXT, yo regresé a Apple y la tecnología que desarrollamos en NeXT es el corazón del actual renacimiento de Apple. Y Laurene y yo tenemos una maravillosa familia.

Estoy bastante seguro de que nada de esto habría ocurrido si no me hubieran echado de Apple. Creo que fue una medicina horrible, pero supongo que el paciente la necesitaba. A veces, la vida te da en la cabeza con un ladrillo. No perdáis la fe. Estoy convencido de que la única cosa que me mantuvo en marcha fue mi amor por lo que hacía. Tenéis que encontrar qué es lo que amáis. Y esto vale tanto para vuestro trabajo como para vuestros amantes.

El trabajo va a llenar gran parte de vuestra vida, y la única forma de estar realmente satisfecho es hacer lo que consideréis un trabajo genial. Y la única forma de tener un trabajo genial es amar lo que hagáis. Si aún no lo habéis encontrado, seguid buscando.

No os conforméis.

Como en todo lo que tiene que ver con el corazón, lo sabréis cuando lo hayáis encontrado. Y como en todas las relaciones geniales, las cosas mejoran y mejoran según pasan los años. Así que seguid buscando hasta que lo encontréis.

No os conforméis.

Mi tercera historia es sobre la muerte.

Cuando tenía 17 años, leí una cita que decía algo como: “Si vives cada día como si fuera el último, algún día tendrás razón”. Me marcó, y desde entonces, durante los últimos 33 años, cada mañana me he mirado en el espejo y me he preguntado: “Si hoy fuese el último día de mi vida, ¿querría hacer lo que voy a hacer hoy?” Y si la respuesta era “No” durante demasiados días seguidos, sabía que necesitaba cambiar algo.

Recordar que voy a morir pronto es la herramienta más importante que haya encontrado para ayudarme a tomar las grandes decisiones de mi vida.

Porque prácticamente todo, las expectativas de los demás, el orgullo, el miedo al ridículo o al fracaso se desvanece frente a la muerte, dejando sólo lo que es verdaderamente importante.

Recordar que vas a morir es la mejor forma que conozco de evitar la trampa de pensar que tienes algo que perder. Ya estás desnudo. No hay razón para no seguir tu corazón.

Hace casi un año me diagnosticaron cáncer.

Me hicieron un chequeo a las 7:30 de la mañana, y mostraba claramente un tumor en el páncreas. Ni siquiera sabía qué era el páncreas. Los médicos me dijeron que era prácticamente seguro un tipo de cáncer incurable y que mi esperanza de vida sería de tres a seis meses. Mi médico me aconsejó que me fuese a casa y dejara zanjados mis asuntos, forma médica de decir: prepárate a morir.

Significa intentar decirle a tus hijos en unos pocos meses lo que ibas a decirles en diez años. Significa asegurarte de que todo queda atado y bien atado, para que sea tan fácil como sea posible para tu familia. Significa decir adiós.

Viví todo un día con ese diagnóstico.

Luego, a última hora de la tarde, me hicieron una biopsia, metiéndome un endoscopio por la garganta, a través del estómago y el duodeno, pincharon el páncreas con una aguja para obtener algunas células del tumor. Yo estaba sedado, pero mi esposa, que estaba allí, me dijo que cuando vio las células al microscopio el médico comenzó a llorar porque resultó ser una forma muy rara de cáncer pancreático que se puede curar con cirugía.

Me operaron, y ahora estoy bien. Esto es lo más cerca que he estado de la muerte, y espero que sea lo más cerca que esté de ella durante algunas décadas más. Habiendo vivido esto, ahora os puedo decir esto con más certeza que cuando la muerte era un concepto útil, pero puramente intelectual:

Nadie quiere morir.

Ni siquiera la gente que quiere ir al cielo quiere morir para llegar allí. Y sin embargo la muerte es el destino que todos compartimos. Nadie ha escapado de ella. Y así tiene que ser, porque la Muerte es posiblemente el mejor invento de la Vida. Es el agente de cambio de la Vida. Retira lo viejo para hacer sitio a lo nuevo.

Ahora mismo lo nuevo sois vosotros, pero dentro de no demasiado tiempo, de forma gradual, os iréis convirtiendo en lo viejo, y seréis apartados. Siento ser tan dramático, pero es bastante cierto. Vuestro tiempo es limitado, así que no lo gastéis viviendo la vida de otro.

No os dejéis atrapar por el dogma que es vivir según los resultados del pensamiento de otros.

No dejéis que el ruido de las opiniones de los demás ahogue vuestra propia voz interior.

Y lo más importante, tened el coraje de seguir a vuestro corazón y vuestra intuición.

De algún modo ellos ya saben lo que tú realmente quieres ser.

Todo lo demás es secundario.

Cuando era joven, había una publicación asombrosa llamada The Whole Earth Catalog [Catálogo de toda la Tierra], una de las biblias de mi generación. La creó un tipo llamado Stewart Brand no lejos de aquí, en Menlo Park y la trajo a la vida con su toque poético. Eran los últimos años 60, antes de los ordenadores personales y la autoedición, así que se hacía con máquinas de escribir, tijeras, y cámaras Polaroid. Era como Google con tapas de cartulina, 35 años de que llegara Google, era idealista, y rebosaba de herramientas claras y grandes conceptos. Stewart y su equipo sacaron varios números del The Whole Earth Catalog, y cuando llegó su momento, sacaron un último número.

Fue a mediados de los 70, y yo tenía vuestra edad.

En la contraportada de su último número había una fotografía de una carretera por el campo a primera hora de la mañana, la clase de carretera en la que podrías encontrarte haciendo autoestop si sois aventureros. Bajo ella estaban las palabras:

“Sigue hambriento. Sigue alocado”.

Era su último mensaje de despedida. Sigue hambriento. Sigue alocado.

Y siempre he deseado eso para mí. Y ahora, cuando os graduáis para comenzar de nuevo, os deseo eso a vosotros.

Seguid hambrientos. Seguid alocados.

Muchísimas gracias a todos

amigos, escritores y artistas

2012-01-31T08:29:00.000-05:00

SANDRA WANDERBERG

ESCRITORA

SOUL JUICE - JUGO PARA EL ALMA
Ensayo

Primera edición, 2010

Esta obra es basada en una ciencia milenaria que nos describe quiénes somos y lo que podemos hacer para lograr una felicidad plena. Nos explica por qué fuimos creados con este deseo de recibir y como utilizarlo con la intención correcta. Nos da la posibilidad de ampliar la percepción de nuestra realidad y la del Mundo Superior. Además de invitarnos a descubrir la importancia de la unión entre nosotros, para volver a ser, aquella única Alma que se fragmento al descender a este mundo. Por último; encontramos una respuesta diferente a Quién es el Creador y cómo ser influenciados por Sus atributos de Amor y Otorgamiento para alcanzar la similitud de forma con Él.

En “Jugo para el Alma” descubrimos que existen dos fuerzas en la creación el “Otorgamiento” (Dios) y la “recepción” (hombre): La fuerza del Otorgamiento es la cualidad del Amor de Quien nos creo y la fuerza de la recepción es nuestro deseo de recibir, el egoísmo. Solo conociendo estas dos fuerzas en su totalidad podremos construirnos a nosotros mismo para ejercer nuestro libre albedrió, el propósito de nuestra existencia.

Y para esto, es importante esforzarnos en alcanzar la cualidad que influye del amor y otorgamiento, como también el reconocimiento del mal, porque: “No hay justo que haga el bien sin haber pecado antes”. Siempre necesitamos revelar primero el mal y “rechazarlo”, (lo que significa estar inmerso en él, imbuido de él, darse cuenta de que es malo), y sólo después deshacerse de él y alcanzar el bien.

"Al hombre lo detiene el miedo o la pereza, así como también lo mueve el amor o la vergüenza"

Esta obra es basada en una ciencia milenaria que nos describe quiénes somos y lo que podemos hacer para lograr una felicidad plena. Nos explica por qué fuimos creados con este deseo de recibir y como utilizarlo con la intención correcta. Nos da la posibilidad de ampliar la percepción de nuestra realidad y la del Mundo Superior. Además de invitarnos a descubrir la importancia de la unión entre nosotros, para volver a ser, aquella única Alma que se fragmento al descender a este mundo. Por último; encontramos una respuesta diferente a Quién es el Creador y cómo ser influenciados por Sus atributos de Amor y Otorgamiento para alcanzar la similitud de forma con Él.

En “Jugo para el Alma” descubrimos que existen dos fuerzas en la creación el “Otorgamiento” (Dios) y la “recepción” (hombre): La fuerza del Otorgamiento es la cualidad del Amor de Quien nos creo y la fuerza de la recepción es nuestro deseo de recibir, el egoísmo. Solo conociendo estas dos fuerzas en su totalidad podremos construirnos a nosotros mismo para ejercer nuestro libre albedrío, el propósito de nuestra existencia.Y para esto, es importante esforzarnos en alcanzar la cualidad que influye del amor y otorgamiento, como también el reconocimiento del mal, porque: “No hay justo que haga el bien sin haber pecado antes”. Siempre necesitamos revelar primero el mal y “rechazarlo”, (lo que significa estar inmerso en él, imbuido de él, darse cuenta de que es malo), y sólo después deshacerse de él y alcanzar el bien.

"Al hombre lo detiene el miedo o la pereza, así como también lo mueve el amor o la vergüenza".

QUILITO, UN PERSONAJE NUESTRO

2012-01-13T12:15:00.000-05:00

Los guayaquileños ¿debemos ofendernos o enorgullecernos por el sobrenombre de MONOS?, Gabriel Pino Roca explica que hacia 1695 era soberano de España Carlos II, personaje desquiciado y conocido como el hechizado porque creía ser victima de maleficios y apariciones demoniacas..
Todavia falta por contar lo que nos explica en la historia del porqué nos llaman monos, pero QUILITO es una caricatura, y la caricatura ha sido utilizada desde siempre para la promoción en diversas circunstancias y en diferentes épocas, enfocadas en valores, educación, cultura, etc.
El personaje va a estar en nuestro medio muy pronto, su creadora es la Sra. Isabel Catalina Campuzano de Sotomayor, y es quien ha querido dar a conocer a nuestros ciudadanos algo más que historia, nos quiere brindar valores que se han desvanecido con el transcurrir de los años, y que nos hacen tanta falta para nuestra futura sociedad, (los niños y jovenes) que están esperando algo que nos identifique, como ella dice en su texto " SE DICE DE LOS GUAYAQUILEÑOS QUE SOMOS GENTE VIVAZ, OPTIMISTA, GENEROSA, HOSPITALARIA Y CADA ADJETIVO CON EL QUE SE NOS CALIFICA TIENE UN ACONTECIMIENTO QUE NOS LLEVÓ A OBTENER ESA CALIFICACIÓN".

indiscutiblemente guayaquil tiene mucho que contar...

QUILITO EN REVISTA ¡elé! - CONVENIO CON COMIC CLUB DE GUAYAQUIL

Pues sí, ya está a la venta la Revista ¡elé! # 44, edición Diciembre 2011 – Enero 2012. Como siempre, la revista trae temas muy interesantes como Ciencia divertida, La historia del Libro, El dragón de Komodo, el megacuento El dios sol y la reina de las aguas y los mejores chistes de Pepito. En la sección de Seres Fantásticos del Ecuador (SFE), esta vez nos traen a La misteriosa hada de Santa Ana; y, en las sensacionales aventuras del Capitán Escudo, el héroe tricolor deberá enfrentar a Lengua Larga.

Además, la presente edición es la primera que formará parte del Convenio para Difusión del Comic Ecuatoriano, por el cual durante seis ediciones, ¡elé! contará con un comic creado por el Comic Club de Guayaquil o sus colaboradores.
El primer comic en ser presentado es nada menos que Quilito, personaje creado por Catalina Campuzano Abad, con el fin de incentivar en los niños la moral y buenas costumbres, la obediencia a nuestros padres, los hábitos de lectura y de estudio. Quilito es un niño común y corriente, representado por un monito, inquieto, travieso y juguetón; en fin, es un buen chico; pero, no siempre hace caso y por eso se mete en problemas, de los que saldrá gracias a los consejos de su mamá.

En esta ocasión, Quilito juega con cohetes y camaretas, a pesar de que su mamá le advierte del peligro… ¡y sobreviene la tragedia! El comic cuenta con guión del Arq. Alfredo García Baquerizo, arte de Lex Campuzano Abad y color de Iván Guevara Ortega.

El Comic Club de Guayaquil agradece a la Revista ¡elé! por su apertura y su apoyo a la difusión del talento nacional.
¿Y cuál será el próximo personaje del Comic Club que aparecerá en ¡elé!? ¡Próximamente lo sabrás!

¡ADQUIERE YA TU EJEMPLAR DE REVISTA ¡elé! Y APOYA AL TALENTO NACIONAL!
¡SI TE LO PIERDES, NO ES CULPA NUESTRA! ¡PASA LA VOZ!
¡EL COMIC ES CULTURA!
Comic Club de Guayaquil
Teléfonos:

Presidencia: 097361331
Vicepresidencia: 097970035
Tesorería: 083156888
Artistica: 085791680
RR.PP.: 094382819
email: ecuadorcomic@yahoo.com - info@comicclub.org
http://www.comicclub.org/
http://comicclubguayaquil.blogspot.com/

ILUSTRACIONES

2011-12-28T05:56:00.000-05:00

año 2012

trabajando un comic

piratas 1709

PINTURA DIGITAL

BOCETO de portada libro por encargo

practica de caricatura

boceto por encargo

logo por encargo

planos Por encargo

comics 2012

2011-12-23T11:39:00.000-05:00

Tenemos el agrado de poner a consideración de ustedes nuestro Cronograma de actividades para el 2012.

Como podrán ver, tenemos algunos aniversarios muy interesantes de personajes como Hulk, Thor, Spiderman, Dr. Doom, Namor, personajes y obras del comic argentino como Mafalda, El Eternauta e Inodoro Pereyra y… ¡hasta los Beatles!

Algunas de las fechas tradicionales de eventos ya conocidos como Comics, Fantasía y Ciencia Ficción en la Universidad Católica y la Convención de Plaza Colón, se han desplazado para dar espacio a PLAY, Feria de Entretenimiento, donde el Comic Club tendrá participación activa y que se realizará a principios de Agosto en el Centro de Convenciones Simón Bolívar (antiguo aeropuerto de Guayaquil). Además, el Machala Comic Fest 2012.

Es decir, el próximo año tendrás 6 eventos grandes para disfrutar: 4 en Guayaquil (Comics, Fantasía y Ciencia Ficción 2012 a inicios de Mayo en la Universidad Católica, la Octava Convención Nacional de Comics en Plaza Colón a fines de Junio, la Feria PLAY a principios de Agosto y el III Pabellón de la Historieta Ecuatoriana en la Feria del Libro Guayaquil 2012 hacia fines de Octubre), 1 en Machala y 1 en Quito. Aparte, los eventos pequeños de homenaje a los aniversarios de personajes conocidos y la Tercera Exposición Infantil del Noveno Arte.
Todo ello, sin dejar de lado la organización de Seminarios Internacionales y nuestros invitados especiales para el 2012, cuyos nombres los daremos a conocer oportunamente. ¡Te aseguramos que te sorprenderás!
Personas, empresas o instituciones que deseen programar alguna actividad con el Comic Club para el 2012, agradeceremos concretarla a más tardar hasta fines de Enero del 2012, caso contrario, no se aceptará cambio o evento nuevo alguno en nuestra agenda.

Estimados Amigos

Hoy ha fallecido el Dr. Miguel Horacio Garcia Feraud, padre del Presidente del Comic Club de Guayaquil Arq. Alfredo Garcia Baquerizo.

Su velatorio se realizará hoy en el Campo Parque de la Paz a partir de las 12h00

Paz en su tumba

LOS COMICS DEL 2012

AVENGERS

BATMAN

FLASH

COMIC CLUB Guayaquil en convenio con revista ELÉ

2011-12-18T11:08:00.000-05:00

Además, la presente edición es la primera que formará parte del Convenio para Difusión del Comic Ecuatoriano, por el cual durante seis ediciones, ¡elé! contará con un comic creado por el Comic Club de Guayaquil o sus colaboradores.

El primer comic en ser presentado es nada menos que Quilito, personaje creado por Catalina Campuzano Abad, con el fin de incentivar en los niños la moral y buenas costumbres, la obediencia a nuestros padres, los hábitos de lectura y de estudio. Quilito es un niño común y corriente, representado por un monito, inquieto, travieso y juguetón; en fin, es un buen chico; pero, no siempre hace caso y por eso se mete en problemas, de los que saldrá gracias a los consejos de su mamá.

En esta ocasión, Quilito juega con cohetes y camaretas, a pesar de que su mamá le advierte del peligro… ¡y sobreviene la tragedia! El comic cuenta con guión del Arq. Alfredo García Baquerizo, arte de Lex Campuzano Abad y color de Iván Guevara Ortega.

El Comic Club de Guayaquil agradece a la Revista ¡elé! por su apertura y su apoyo a la difusión del talento nacional.

¿Y cuál será el próximo personaje del Comic Club que aparecerá en ¡elé!? ¡Próximamente lo sabrás!

¡ADQUIERE YA TU EJEMPLAR DE REVISTA ¡elé! Y APOYA AL TALENTO NACIONAL!

¡SI TE LO PIERDES, NO ES CULPA NUESTRA! ¡PASA LA VOZ!

¡EL COMIC ES CULTURA!

Comic Club de Guayaquil

Teléfonos:

Presidencia: 097361331

Vicepresidencia: 097970035

Tesorería: 083156888

Artistica: 085791680

RR.PP.: 094382819

email: ecuadorcomic@yahoo.com - info@comicclub.org

www.comicclub.org

http://comicclubguayaquil.blogspot.com/

comicclub 2011 - 2012

2011-12-10T10:03:00.000-05:00

ILUSTRACIONES EN VECTOR

2011-08-17T10:07:00.001-05:00

SIMON BOLIVAR vector - ilustrador cs4

vector en ilustrador

Piratas en Guayaquil

2011-03-17T11:15:00.003-05:00

Dentro de la COLECCION DE COMICS de MEMORIAS GUAYAQUILEÑAS, los números 5 y 8 cuentan sobre la historia de invasiones piratas que sufrió Guayaquil y cómo su gente enfrentó los ataques de corsarios, estos comics, al igual que los otros números han contribuido al conocimiento de nuestra historia de una forma entretenida para todas las edades, un aporte favorable para los aficionados a los comic históricos, y un apoyo indiscutible de parte de la M.I.Municipalidad de Guayaquil, que por medio del Programa Editorial Municipal a cargo de la Direción de Cultura y Promoción Cívica y su director Arq. Melvin Hoyos Galarza, ha logrado reunir a escritores e ilustradores para el desarrollo de estos números que sin duda ya son parte de la historia del comic nacional , Piratas en Guayaquil son ilustrados por Lex campuzano Abad, quien ya está trabajando el ataque de 1709.

propuesta de lina para comic de piratas 1709 - MEMORIAS GUAYAQUILEÑAS

lapices de piratas 1709

video promo LEX CAMPUZANO

2011-01-07T09:28:00.004-05:00

diseño vs. arte

2010-05-25T14:51:00.001-05:00

Este artículo intenta poner en evidencia la profunda falsedad que se esconde detrás de la pretensión de separar al diseño de las artes plásticas.
Es reiterativa la negación a aceptar la relación entre plástica y diseño en el discurso de muchos diseñadores. Esta relación, obvia en el nacimiento de la disciplina, se reitera hoy con gran énfasis en el diseño contemporáneo y posmoderno, opuesto al ideal de la modernidad, cuyos preceptos aún hoy se manifiestan solapadamente en esa resistencia.
La obstinación con que se intenta separar al arte del diseño, es directamente proporcional a la magnitud de un error en el que recurren muchos diseñadores, que intentan disociar artificialmente ambos conceptos. Para ello intentan esbozar las definiciones de arte y diseño, para compararlas y señalar las diferencias. El error sin embargo no surge, como podría pensarse, de una mala definición del concepto de diseño sino, por el contrario, de una definición incorrecta del concepto de arte. Cuando algunos diseñadores intentan establecer la diferencia entre el arte y el diseño, mencionan las diferentes condiciones de partida de cada uno. El diseño, dicen, parte de un encargo, de un cliente que pide la resolución a un problema, el diseñador será poco más que una herramienta para solucionar este problema de comunicación. El arte, en cambio, está para ellos motivado por la necesidad de auto-expresión del artista. Algunos incluso llegan a negar la influencia del mercado sobre la obra de arte, como si la obra artística fuera una entelequia evanescente y sin vida formal. Esto es, por supuesto, falso.
La obra artística está sometida a un mercado y a un tráfico particularmente impuesto. No escapa a esta lógica, a pesar del contenido espiritual que, en el mejor de los casos, y no siempre, la fundamenta. Por otro lado, es ridículo limitar la mirada de la obra artística al concepto post-romántico, que propone la libre expresión del autor por sobre los encargos de un hipotético cliente. Ni la historia del arte comienza en el siglo XIX, ni el perfil del artista fue siempre el estereotipo que se erigió en esa época: rebelde y maldito, alejado de la realidad y del mercado. Durante miles de años el artista vivió de los encargos de los más diversos clientes, desde la Iglesia a la corona, desde la aristocracia a la burguesía. Limitar la definición del arte a lo ocurrido en los últimos cien años es un gran error. Las obras que llenan Iglesias y museos fueron encargos de mecenas muchas veces más intransigentes e incomprensivos que el peor de los clientes actuales; sería interesante poder preguntarle a Miguel Angel los detalles de por qué pintó la Capilla Sixtina.

En efecto, el artista también tiene que tratar con un cliente, y en la actualidad continúa haciéndolo. Sigue prestando atención al mercado, y sigue estando condicionado por él. Sin embargo, el mundo del arte no hace una religión del “trato con el cliente”, como ocurre en el diseño. Todo quien lleve a cabo un trabajo sin relación de dependencia o autónomo, tendrá que eventualmente enfrentarse con un cliente. Pero esto le ocurre tanto a los pintores, los arquitectos, los ingenieros o los ferreteros; y ninguna de estas profesiones u oficios hacen de este problema un concepto central de su disciplina. El diseño, aunque parezca insólito, sí lo hace. Y esta centralidad de la discusión sobre conceptos que tienen su valía, pero que han de ser tomados por la lógica de su propio peso como secundarios, dejan de lado cuestiones esenciales para el diseño, como la creatividad, que sí debería ser central.
Efectivamente, la mecánica de trabajo del diseñador tiene puntos de contacto con la del artista plástico, las cuales son fácilmente reconocibles para quien haya frecuentado ambas disciplinas. Y es que la elaboración de una pieza gráfica o visual, con las diferencias específicas que cada tipo de pieza supone, posee una instancia de creación similar a la de, por ejemplo, una pintura. Esta afirmación, que algunos pueden llegar a considerar en extremo aventurada, es evidente cuando analizamos el proceso del diseño (el proceso del diseño en sí, no su producción).

disney y dali

2010-05-25T14:21:00.000-05:00

Un video realizado por Salvador Dali a pedido de Walter Elias Disney, fue encontrado por el hermano de este (Disney), y va a ser reeditado en diferentes formatos, y está catalogado como una joya de la animacion tradicional, nop le pierdan la pista.